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Decía Schöffer: "El cine no es solamente imágenes grabadas en un carrete. Se puede hacer cine en el espacio, se puede hacer cine sobre cualquier superficie, en diferentes medios. (...) Entonces, considero que cuando utilizo mis proyecciones de luz o mis esculturas-luz en una plaza pública, estoy haciendo cine, solo que lo llamo espectáculo luminodinámico y el cine también forma parte del luminodinamismo"
(declaraciones recopiladas por Éric Rohmer en Le Celluloïd et le Marbre, de 1966)
Enrique Martínez Celaya,The Latecomer, oil and wax on canvas, 166 x 178 cm
Galleri Andersson/Sandström is proud to present the third solo exhibition of Enrique Martínez Celaya’s work, The Other Life. In this exhibition – which features eight paintings and five works on paper – Martínez Celaya reflects on inevitability, tragedy, and loss in a way that does not discount hope, but places it out of reach. The title of the exhibition suggests the enigma of life’s singularity, and invites thoughts of another life – one parallel to our own and emerging from the choices we did not make.
The new body of work presented in the exhibition features allusive and archetypal imagery – a basket of apples, fields of grass, flooded waters – symbols and landscapes that connect the work to what Martínez Celaya has previously done. However, the emotional register in these works confronts more starkly than before despair, loss, and loneliness against tenderness, redemption, and love. For Martínez Celaya, the capacity of painting to create meaning depends on the instability between the references in painting and its materiality, between what it brings forth as idea, dream, or invocation, and its factual condition as object and reservoir of work.
Since the early 1990s, working in a variety of media including painting, sculpture, and installation, Enrique Martínez Celaya has created an extensive oeuvre characterised by metaphorical complexity. He blends fantasy, reality, and memory to create a poetic world that is both semi-autobiographical and resonantly universal. His art, as Martínez Celaya describes, is a rescue ship, where its ever shape-shifting appearance depends on what we lack and what we long for.
José de Almada Negreiros, Retrato de Fernando Pessoa, 1964.
Museu Calouste Gulbenkian
- Coleção Moderna. © Almada Negreiros, VEGAP, Madrid, 2017
7 de febrero, 7 de mayo del 2018
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
con la Fundação Calouste Gulbenkian
http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/pessoa
Comisariado: Ana Ara y João Fernandes
"A través de la prolífica producción textual de sus más de cien heterónimos, Pessoa creó una vanguardia propia y se convirtió en intérprete de excepción de la crisis del sujeto moderno y de sus certezas, trasladando a su obra una otredad múltiple que achacó a su desorientación existencial."
Queda muy claro, la caida del autor, la falta de nombre, y la busqueda del seudonimo, en Pessoa, que adelanta al hombre contemporaneo: el Otro no lo nombra, porque el Otro ha caido, a su vez el otro no lo representa, ya que todos cambiamos de nombre y de lugar permanentemente. No solo se trata de la caida de la identidad, el nombre y el lugar, sino la identidad al infinito, ahora una ahora la otra. Lo que nos llama la atención es como los museos, y los grandes museos, en principio en el dominio de la imagen, se ocupan de los escritores. Antes se trataba de ver o leer, museo o editorial, galeria o teatro, ahora podemos exponer lo que se lee, podemos visualizar (poesia visual) lo que se escribe. Con esto quiero señalar que no solo es la caida del Otro, que nos identifica y nos nombra, sino de la caida del objeto. El objeto que nos ha permitido separarnos del Otro, y nos empuja a escribir, a pintar, a escuchar o a bailar.
José María Parreño | 09/02/2018
El Cultural, 09 02 2018
http://www.elcultural.com/revista/arte/Pessoa-miope-y-visionario/40649
"El título de la exposición 'Todo arte es una forma de literatura' puede tener distintos significados. Uno: el arte moderno, que se rebeló frente a toda norma e incluso frente a su destino, sólo puede entenderse como formas diversas de lo poético. Dos: “Todo arte es una forma de literatura, porque todo arte consiste en decir algo”, como escribió Pessoa por mano de Álvaro de Campos. Y tres, como también pensaba Pessoa: la literatura es el arte que aglutina todas las demás manifestaciones artísticas. Pero esto último no fue una mera teoría del oceánico poeta lisboeta, sino una estrategia creativa que le sirvió para dialogar con las remotas vanguardias internacionales, así como para estimular la creación artística local. Por eso, a la hora de ofrecer un panorama de la vanguardia portuguesa de las primeras décadas del siglo XX (entre 1914 y 1936 exactamente) los comisarios de esta interesante exposición han convertido la figura de Fernando Pessoa (1888-1935) en el elemento vertebrador.
Retrato de Fernando Pessoa, 1914/1928
Pessoa también forjó el interseccionismo, una especie de cubismo radical, en el que la descomposición de planos se trasladaba a lo verbal, y que se resume en la sentencia de Álvaro de Campos: “Experimentar todo de todas las maneras”. Sin embargo, el núcleo de la exposición y la propuesta estética de mayor envergadura de Pessoa fue el sensacionismo, fundado junto con el también escritor Mário de Sá-Carneiro y que tuvo en la revista Orpheu (sólo dos números en 1915) el vehículo privilegiado para su difusión. El sensacionismo observa que distintas de las sensaciones puramente externas y de las espontáneamente internas, hay otras, que proceden del trabajo mental: son las sensaciones de lo abstracto y la manera de organizarlas es lo que llamamos arte.
Candida Höfer: Bourse du Travail, Calais, 2001, Cibachrome-Print, 25 x 22 cm
OHO!!
- ARTISTS' NAMES SEE BELOW -
Based on the motto "Small but OHO!", GALERIE SUPPER presents a group show with our favourite small format pieces. Selected positions from the program of the gallery will be put into dialogue with renowned guest artists like Candida Höfer and Gotthard Graubner.
Since the 16th century, objects and relics, which appeared to be especially delicate or dainty have been referred to as "Kleinod" in Germany, which basically means gem. The term contains the word "klein", meaning small. These precious objects descretely represented the rank of the person wearing it. Therefore, they served as a way of modest demonstration of one's own wealth.
The special value of the small becomes increasingly obvious today: the more compact micro chips and connecting pieces, the more efficient are the machines which shape our everyday life. But not only on a technical scale is small the new big. Also on a personal level we often connect more easily to the small things around us. Not least for this reason, the small format became important in art history. The spatial distance, which is oftenly demanded by big format works, here transforms into an aspiration for proximity. By means of a combination of young, emerging positions and renowned masters, OHO!! presents a wide range of artistic approaches to the special challenges posed by spatial borders.
Participating artists:
Christian Awe, Ellen DeElaine, Joerg Eyfferth, Tino Geiss, Rayk Goetze, Gotthard Graubner, KEHL, Christian Herzig, Candida Höfer, Andreas Lau, Mike MacKeldey, Katharina Meister, Thomas Ruff, Roland Schauls, Dag Seemann, Monika Thiele, Ellen von Unwerth, Patricia Waller, Andreas Wachter.
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